Disco de Filme

Este blog está fechado

2006-08-10T07:16:00.000-03:00

Este blog foi o produto de uma disciplina da faculdade, e está fechado. Se você se interessar em continuar lendo o que escrevo, vá para Esperando Godard, blog novo.

A Lançar #4

2006-06-28T08:22:00.000-03:00

>>> Cinema noir

Aqui a Aurora está fazendo o dever de casa. O cinéfilo pode encontrar em edições deste selo pelo menos dois filmes importantíssimos do estilo: Silêncio nas Trevas, de Robert Siodmak e Almas Perversas, de Fritz Lang. A Columbia, além de Os Corruptos, do mesmo Lang, já lançou No Silêncio da Noite, de Nicholas Ray e A Dama de Shangai, de Orson Welles. De Welles, há também A Marca da Maldade, da Universal. Da Classicline há Baixeza, Alma Torturada e Anjo Diabólico – filmes menores. A Fox lançou recentemente Laura, de Otto Preminger. Em número é uma lista até razoável, mas a qualidade fica muitíssimo comprometida com a ausência dos dois maiores exemplares do estilo, na opinião deste que escreve: Fuga ao Passado, de Jacques Tourneur e Pacto de Sangue, de Billy Wilder. Outros desfalques importantes: Assassinos e A Dama Fantasma, de Robert Siodmak; Desejo Humano, de Fritz Lang; Cinzas que Queimam, de Nicholas Ray.

Jane Greer e Robert Mitchum em Fuga ao Passado; Fred MacMurray e Barbara Stanwyck em Pacto de Sangue

De qualquer jeito, a grande questão é: onde estão as caixas noir que a Warner lançou nos States? A partir de 2004, a Warner americana lançou vários boxes, alguns sobre astros clássicos, outros sobre gêneros. Chegaram no Brasil as caixas Errol Flynn, Katharine Hepburn, Bette Davis e Joan Crawford, todas cortadas, com pelo menos um DVD a menos. Quanto aos gêneros, o único que saiu em edição nacional foi o nada popular filme de gangsters. Dentro os filmes das duas caixas noir, ainda por lançar: Fuga ao Passado; O Segredo das Jóias; Até a Vista, Querida.

A lançar #3

2006-06-22T19:52:00.000-03:00

>>> Nouvelle Vague

Há caixas sobre o expressionismo alemão, sobre o cinema revolucionário soviético, sobre o neo-realismo, e nada de nouvelle vague. Há alguns lançamentos isolados: Os Incompreendidos, Acossado, Hiroshima, Mon Amour. A Versátil já anunciou no seu site a caixa Antoine Doinel, com os cinco filmes (quatro longas e um curta, originalmente pertencente a um filme de episódios) de François Truffaut com o personagem interpretado por Jean-Pierre Leaud, além de Jules e Jim, o mais belo desses filmes. A distribuidora recifense Aurora havia prometido investir no filão de cinema francês, mas, até agora, nada de Resnais, Malle, Chabrol, Rohmer... De Godard, eles lançaram o Prenom Carmem, de 83 – longe da nova onda e do punch de Viver a Vida, 2 ou 3 Coisas Que Eu Sei Dela e O Desprezo.

****

Lista rápida dos filmes mais necessários ao mercado (vistos, e sem previsão de lançamento):

5 - Atire no Pianista

4 - Viver a Vida

3 - Um Só Pecado

2 - O Desprezo

1 - O Ano Passado em Marienbad

Na verdade, e complementando: o cinema francês clássico anda em baixa em geral nas estantes de locadoras. A carreira posterior dos diretores da nouvelle vague é ignorada, bem como filmes do realismo poético. Há o básico de Renoir, Tati, há o Boulevard do Crime, mas onde estão os filmes de Jean Pierre Melville ou Robert Bresson?

A lançar #2

2006-06-16T00:02:00.000-03:00

>>> Se Meu Apartamento Falasse, de Billy Wilder.

Dentre os vários filmes de Billy Wilder que aguardam lançamento, este é o mais grave. Primeiro pela consagração: Oscars de filme, roteiro, direção, edição e direção de arte; um elenco com Jack Lemmon, Shirley MacLaine (melhor atriz em Veneza) e Fred MacMurray; unanimidade crítica e sucesso de público. Em segundo lugar, porque se trata provavelmente do melhor de seus filmes, superior até mesmo a Crepúsculo dos Deuses, Sabrina e Pacto de Sangue. Em Se Meu Apartamento Falasse (filme do meio da trilogia sex and danger, que inclui Quanto Mais Quente Melhor e Irma La Douce), Wilder encontra o ponto de perfeição ao unir a acidez que caracteriza sua fase noir e dramática com a leveza, o ritmo e malícia de suas comédias co-escritas com I.A.L. Diamond.

Lemmon é um empregado de uma grande empresa que vai ganhando promoções consecutivas ao ceder seu apartamento para os executivos se encontrarem com as amantes. Lemmon é apaixonado pela ascensorista da firma, até que um dia a encontra no apartamento, desmaiada após tentar o suicídio – fora abandonada pelo chefe. Afiadíssimo, Se Meu Apartamento Falasse se adapta perfeitamente à definição que Truffaut aplicou a A Regra do Jogo, de Jean Renoir: comédia alegre ou drama triste.

Existe em VHS em cópia da Brenno Rossi. Faz parte do catálogo da Metro, e aí a coisa complica. O acervo já estava dividido para distribuição internacional entre Fox e Warner (e até PlayArte, aqui no Brasil). Ano passado a Sony-Columbia comprou a Metro, e ninguém sabe como ficam esses acordos.

A lançar

2006-06-15T23:50:00.000-03:00

Apesar do ritmo constante de lançamentos de cinema clássico, alguns títulos essenciais permanecem inacreditavelmente inéditos em formato digital, mesmo pertencendo aos catálogos de majors ou contando com fama e prestígio suficiente para atrair a atenção de selos de arte. Neste e nos próximos posts, alguns exemplos desses tipo de negligência:

>>> Cabaret, de Bob Fosse.

Musical de 1972 que, ao invés de histórias de produtores da Broadway à procura de sua nova estrela, retrata a Berlim de 1931 às vésperas da ascensão do nazismo. Sally Bowles, estrela do Kit Kat Klub tem um romance agitado com um estudante inglês de passagem pela cidade. Uma série de números musicais encenados no palco do cabaré comenta a vida de Sally e a efervescência social da Alemanha. Com muita influência de Fellini, Fosse realiza o mais decadente dos musicais, cujos números nada épicos são encerrados num palco claustrofóbico, sempre filmados de baixo pra cima, no gargarejo ou por trás das cortinas. Cabaret é apocalítico – enquanto o mundo parece que vai acabar, todo mundo se entrega ao sexo e às farras. Versando com extrema lucidez sobre entretenimento, alienação e política, o filme venceu Oscar de direção, batendo O Poderoso Chefão. Liza Minnelli e Joel Grey levaram os prêmios de atriz e ator coadjuvante.

Lançado em VHS no Brasil pela F.J. Lucas numa cópia que não faz jus à luz oscarizada de Geoffrey Unsworth (2001,Tess), saiu em DVD nos Estados Unidos pela Warner. Pode ser encomendado através da importadora CDPoint por R$ 59,37 + frete.

Lançamentos de Julho

2006-06-07T20:37:00.000-03:00

Mais uma vez, com informações do A Galáxia:

CLASSICLINE

UM IANQUE NA R.A.F.
RUA MADELEINE 13
VAIDADE E BELEZA
O DOMINADOR DAS SELVAS - REX & RIN TIN TIN

DYNAFILMES

SE MEU DÓLAR FALASSE
SONHANDO COM MILHÕES
CHICO FUMAÇA
A VIÚVA VALENTINA

FOX CLASSICS

TONY ROME
A CANÇÃO DE BERNADETTE
A MALDIÇÃO DA MOSCA
QUERO CASAR-ME CONTIGO
PAIXÃO DOS FORTES
BUTCH CASSIDY

UNIVERSAL

FAHRENHEIT 451
O HOMEM ELEFANTE

VERSÁTIL/SELEÇÕES

LOLA: EDIÇÃO ESPECIAL
JOELMA, VIGÉSIMO TERCEIRO ANDAR
CENAS DE UM CASAMENTO: VERSÃO INTEGRAL

WARNER

IVANHOÉ, O VINGADOR DO REI

Mês fraco. A Aurora não anunciou nenhum filme novo; majors relançam ou colocam na praça já disponíveis em edições de revista. Ainda assim, algumas compensações:

a) Paixão dos Fortes, um dos mais famosos filmes de John Ford, para alguns sua obra-prima - pela Fox Classics;
b) pela Universal, Fahrenheit 451, de François Truffaut. É apenas o quarto filme do diretor lançado em DVD. A Versátil colocou no seu site a tetralogia Antoine Doinel entre os futuros lançamentos;
c) a Versátil traz Cenas de um Casamento, de Bergman, em versão integral. Assim como Fanny e Alexander, Cenas... foi concebido como uma minissérie de tevê e teve edição menor para telona. Esse lançamento tem excelente timing, uma vez que chega aos cinemas brasileiros Sarabanda, uma continuação dirigida por Bergman em 2003.

Entre os relançamentos, meu destaque fica para Ivanhoé, de Richard Thorpe. Filme de aventura deslumbrante, do mesmo diretor dos principais Tarzan com Weissmuller. No elenco, Robert Taylor, Joan Fontaine, Elizabeth Taylor e George Sanders, todos perfeitos. O filme passa voando, prazer absoluto.

Lançamentos de Maio e Junho

2006-05-22T07:35:00.000-03:00

Filtrei somente os lançamentos de clássicos. Lista completa no site A Galáxia.

Maio:

SONY
PROFISSÃO: REPÓRTER (O PASSAGEIRO)

VERSÁTIL / SELEÇÕES
PRÍNCIPES E PRINCESAS
O DESESPERO DE VERONIKA VOSS
A FLAUTA MÁGICA

VIDEO FILMES
MEMÓRIAS DO SUBDESENVOLVIMENTO

FOX CLASSICS
VIVA ZAPATA!
ANNA E O REI DO SIÃO
ANASTASIA
O SEGREDO DO PÂNTANO
MORITURI
O BÁRBARO E A GUEIXA

CLASSICLINE
MINHA VIDA É UMA CANÇÃO
A IRMÃ DO MORDOMO
PERSEO: O INVENCÍVEL
O REI DA POLÍCIA MONTADA
PAIXÃO EM JOGO
NUMA ILHA COM VOCÊ

AURORA
ARENAS SANGRENTAS
CAMINHO DAS ESTRELAS
PERSEGUIÇÃO MORTAL
A GARDÊNIA AZUL

WARNER
COLEÇÃO AGATHA CHRISTIE: MISS MARPLE (inclui ASSASSINATOS À BORDO; SHERLOCK DE SAIAS; CRIME É CRIME e QUEM VIU, QUEM MATOU)

Junho:

AURORA
BRUTALIDADE
COCA-COLA KID
O ACERTO DE CONTAS
CYRANO DE BERGERAC

CLASSICLINE
A PRINCESA E O CORSÁRIO
PUNHOS DE CAMPEÃO
PERSEO, O INVENCÍVEL
AS AVENTURAS DE RED RYDER
CARMEN DE LA RONDA

DYNAFILMES
DONA VIOLANTE MIRANDA
MINERVINA VEM AÍ
O NOIVO DA GIRAFA
CALA A BOCA, ETELVINA
UMA CERTA LUCRÉCIA

FOX CLASSICS
HEIDI
FÚRIA SELVAGEM
O HOMEM QUE ODIAVA AS MULHERES
OS VERDES CAMPOS DE WYOMING
NAS GARRAS DO ÓDIO
O CRIME SEM PERDÃO

VERSÁTIL/SELEÇÕES
MARTHA
PELLE, O CONQUISTADOR
PRÍNCIPES E PRINCESAS
PERSONA

WARNER
RASTROS DE ÓDIO - EDIÇÃO ESPECIAL

Destaques pessoais:

Profissão Repórter, de Michelangelo Antonioni, com Jack Nicholson no papel de um jornalista que assume a identidade de um traficante de armas morto no quarto vizinho de um hotel isolado da África, onde ele faz uma reportagem. Como já disseram os críticos, a angústia de existir torna-se tão insuportável que só resta a solução de morrer e assumir outra vida para tentar a redenção. Não vai dar certo. O filme é um primor de linguagem cinematográfica. É dele a famosa tomada sem cortes da câmera girando dentro de um quarto mostrando fatos ocorridos em três tempos distintos. No final do filme outro momento célebre: a câmera entra e sai de um quarto por uma janela gradeada, também sem cortes.

Persona, radical filme de Ingmar Bergman lançado nos cinemas brasileiros como Quando as Mulheres Pecam, um julgamento precipitado sobre a sexualidade das protagonistas. Liv Ullmann é uma atriz que ficou muda em cima do palco por razões desconhecidas; Bibi Andersson é a enfermeira. As duas estão isoladas em uma casa de campo. O choque dessa relação sem diálogo expõe as personagens em seus terrores existenciais. Cruel.

Rastros de Ódio, de John Ford, relançado em DVD agora com extras. John Wayne é Ethan Edwards, andarilho que sai em busca de sua sobrinha, única sobrevivente da chacina de sua família pelos índios liderados pelo chefe Cicatriz. Edwards é racista e vingativo. Quer matar a sobrinha, conspurcada pelo sangue índio, e fazer o que pensa ser a vontade de Martha, sua falecida cunhada e amor reprimido. Há redenção no caminho de Edwards, depois de uma vida de sangue, morte e tragédia. O passado, no entanto, fecha as possibilidades de convivência social.

James Stewart

2006-05-09T21:30:00.000-03:00

* Texto de minha autoria originalmente publicado no site Drops de Anis. Hoje eu mexeria bastante neste texto, estou bastante verborrágico, mas estou bastante atarefado (razão porque não estou postando texto um texto original - pelo menos o clipping é autoral). Ainda assim, é texto bastante informativo sobre Stewart, e todos os filmes citados estão disponíveis em DVD. Condescendam.

Uma câmera passando na frente da mesa de um grande banquete – sentados e comendo, todos os rostos que levavam às platéias dos anos 30 aos cinemas. Essa cena, real, é de um dos jantares de aniversário da Metro-Goldwyn-Mayer, usado nos documentários Era Uma Vez em Hollywood para ilustrar o poder do estúdio, e seu famoso slogan: "Temos mais estrelas que o céu". Cada uma dessas personalidades, de Greta Garbo a Clark Gable, encantava o público pelo seu exotismo e força única, uma inatingibilidade ideal perfeitamente adequada ao que o cinema da época proporcionava: escapismo e diversão. Duas décadas mais tarde, astros como Marlon Brando e Marilyn Monroe criaram suas personae projetando justamente a vulnerabilidade das pessoas comuns. A semente, há quem diga, já estava plantada quando uma figura totalmente ordinária, alta e desengonçada começava a fazer sucesso nos corredores da MGM pelos 30 e poucos: James Stewart, hoje um ícone da cultura cinematográfica, fez seu improvável debut justamente no estúdio das estrelas inalcançáveis.

Ex-estudante de arquitetura em Princeton, ator de segunda na Broadway, James entrou no cinema com o destino praticamente selado como coadjuvante eterno, provavelmente o garoto bobo que perde a mocinha para um Cary Grant da vida. Era isso mais ou menos o que lhe reservava seu tipo de magrelo, de 1,92m e com um rosto comum, de expressão de inteligência média, pouco esperta. Foi assim que começou a sua carreira na MGM, até que de repente seus defeitos viraram um mérito quando o diretor Frank Capra ficou cada vez mais obcecado pela defesa dos valores do americano comum. Capra já havia usado Gary Cooper e Clark Gable como astros com resultados esplêndidos, mas os dois eram astros natos, enquanto Stewart parecia mesmo tímido, desconcertado e hesitante. Assim, o diretor o escalou justamente como astro de seu filme-ode à família americana, a comédia Do Mundo Nada se Leva. O filme ganhou venceu os Oscar principais de 38, e James ganhava uma carreira de verdade.

Do Mundo Nada se Leva

Essa carreira se apoiava justamente na exploração deste outro tipo de identificação provocada no público, não mais com um deus, mas com o seu vizinho – embora ainda muito longe da subversão de Brando, pois este vizinho identificado na figura de Stewart era um modelo de correção, e não um rebelde. Stewart explorou, junto com Capra, esse filão de interpretação novamente na obra-prima A Mulher faz o Homem, de 39, vivendo um homem do povo que chega ao Senado e se decepciona com a democracia americana. A atuação perfeita lhe valeu uma indicação ao Oscar, e mais papéis de homem comum, onde se envolvia com estrelas do porte de Marlene Dietrich e Claudette Colbert. O ponto alto dessa fase é A Loja da Esquina, a espetacular comédia romântica de Lubitsch sobre balconistas que se amam em cartas anônimas e se odeiam na vida real; o filme foi refeito mal e porcamente como Mensagem de Amor, com Tom Hanks, um claro discípulo do estilo Stewart.

Lubitsch Touch: com a amiga Margaret Sullavan em A Loja da Esquina

Em 40, veio seu Oscar de melhor ator pela interpretação em Núpcias de Escândalo, mais outro grande filme no seu currículo, desta vez dirigido por George Cukor. A vitória este filme foi surpreendente, já que Stewart incorpora justamente aqui o loser que disputa a mocinha Katharine Hepburn com o megastar Cary Grant. No papel pode parecer óbvio o resultado do filme (ainda mais porque o casal Grant-Hepburn vinha de Levada da Breca), mas o carisma de Stewart é tão forte que deixa o público em suspense até o final, na dúvida se ele consegue ou não sua conquista. James poderia ter finalmente virado o galã depois desse filme, mas veio a Segunda Guerra e ele se alistou na Força Aérea (chegou ao posto de Coronel), para só voltar a atuar em 46, no clássico de Natal A Felicidade Não se Compra, novamente dirigido por Capra, e declaradamente seu filme favorito.

A Felicidade Não Se Compra: clássico família

Se sua carreira tivesse parado por aí, ótimo, mas a Guerra lhe proporcionou papéis mais adultos e complexos, como o do palhaço triste de O Maior Espetáculo da Terra. Alfred Hitchcock percebeu essa mudança e subverteu sua consagrada fachada de americano-médio para explorar seu tema preferido, o sujeito que vive sua vida normal e de repente se vê enredado em complexas intrigas de assassinato e morte. Foi assim em Festim Diabólico, como um escritor que descobre que suas teorias foram usadas para justificar um crime; no soberbo Janela Indiscreta, como o fotógrafo que espiona os vizinhos e suspeita de um deles; em O Homem que Sabia Demais, ele é jogado numa conspiração internacional quando seu filho é seqüestrado; e, finalmente, no mais genial dos filmes do diretor, Um Corpo que Cai, Stewart faz o policial que tem medo de altura e se vê atormentado por duas mulheres muito parecidas – aqui ele dá a interpretação da vida, intensa, perturbada, insana. Apesar da força de seu trabalho, ele acabaria por perder o papel principal do posterior Intriga Internacional por que Hitchcock acreditava que sua aparência já de meia-idade foi a causa do fracasso de bilheteria de Um Corpo que Cai . (Quem ficou em Intriga Internacional foi justamente Cary Grant, o herói hitchcockiano de corte mais sofisticado).

James Stewart e Kim Novak: retratos de uma obsessão

Toda essa potência dramática só fez destacar a versatilidade de Stewart, que além de suas colaborações com Hitchcock fez ainda nos anos 50 o filme de julgamento definitivo, Anatomia de um Crime (num duelo de interpretação vibrante com George C. Scott ao som de Duke Ellington, prêmio de melhor ator no Festival de Veneza), a comédia dramática Meu Amigo Harvey, repetindo papel que fez na Broadway, e o surpreendente contraponto a Um Corpo Que Cai chamado Sortilégio de Amor, onde repete sua parceria com Kim Novak e novamente é enganado por ela, só que agora num clima agradável e sexy de comédia romântica novaiorquina.

Se seu escopo de interpretação ainda pudesse ser questionado, ainda há uma terceira grande face incorporada por Stewart, o muito improvável herói de faroeste. O que pareceria impossível com seu típico físico, se tornou realidade com a onda de psicologismo que ocorreu com o gênero a partir de Os Brutos Também Amam. Ao invés de manter o foco nas aventuras contra os índios e bandidos, os filmes dessa época se preocupavam em evidenciar o efeito da violência em quem vive com ela desde sempre. Nesse faroeste subvertido em drama social, Stewart fez suas principais colaborações com o diretor Anthony Mann (em alguns dos maiores filmes que o gênero já produziu, como Um Certo Capitão Lockhart e E o Sangue Semeou a Terra) e com o deus John Ford (em três filmes, mais notavelmente no outonal O Homem Que Matou o Facínora).

Um Certo Capitão Lockhart

Para quem fez filmes tão à frente do seu tempo, talvez seja surpreendente que Stewart fosse republicano convicto, mas deve-se ter em mente de que ele provavelmente era o americano comum mesmo, casado, com dois filhos e eternamente fiel à esposa e à família. Provavelmente por isso ele decidiu se afastar do cinema a partir dos anos 60, quando o código de censura cairia por terra. Como Cary Grant, ele achava que não havia mais espaço para ele, mas ao contrário do astro contemporâneo, não abandonou completamente as atividades artísticas, mantendo um ritmo regular na tv (fez telefilmes com Bette Davis) e em pequenos papéis no cinema, muitas vezes como narrador.

A grande contribuição de James Stewart foi pavimentar o caminho para interpretações mais sutis e menos estelares em Hollywood, conseguindo isso mesmo dentro de um arquétipo que o sistema inicialmente lhe impôs. Inteligentemente, ele usou o tipo para se afirmar, e a partir de seu poder se colocou em caminhos mais desafiadores artisticamente, mesmo sem jamais ser um out-sider. Resultado: quando morreu, em 1997, foi reconhecido como um grande astro, mas muito mais como um grande ator.

Lançamentos de Abril

2006-04-27T08:42:00.000-03:00

Fim de mês, hora de ver o que foi lançado nos últimos trinta dias. Nem todos os filmes dessa lista já chegaram nas locadoras, devido a atrasos de envio e distribuição. A lista, já filtrados os clássicos, foi compilada a partir do site A Galáxia:

Aurora

Maldição
Johnny Vai à Guerra
O Pequeno Rincão de Deus
Dillinger: Inimigo Público N1

Buena Vista

A Dama e o Vagabundo - Edição Especial

Fox

Coleção Rodgers & Hammerstein (Oklahoma!, Carrossel, Feira das Ilusões, O Rei e Eu, Ao Sul do Pacífico e A Noviça Rebelde)

Fox Classics

Um Barco e Nove Destinos
Laura

Versátil

Lili Marleen
Sonhos de Mulheres

- O grande lançamento do mês é Laura, clássico noir de Otto Preminger. Recentemente citado por Nelson Pereira dos Santos em Brasília 18%, Laura é a história de um detetive que investiga o assassinato de uma publicitária (Laura, interpretada por Gene Tierney, talvez a mais bela atriz da história do cinema americano) e acaba desenvolvendo uma paixão doentia pela falecida, enquanto lida com as pessoas suspeitas à sua volta: o jornalista que provocou sua ascenção profissional, o namorado gigolô, a mulher explorada. Laura tem tantas reviravoltas que no final a trama já parece totalmente banal e a identidade do assassino aleatória. Qualquer pessoa poderia ter sido o culpado e não faria diferença, porque o que interessa a Preminger é a ilustração sutil das perversões dos personagens, e o contraste disso com a elegância high society da ambientação, expressa perfeitamente na famosa trilha de David Raksin.

Esperamos que Paramount e Warner sigam o exemplo e lancem os outros dois pilares da Santíssima Trindade do Noir: Pacto de Sangue, de Billy Wilder, e Fuga ao Passado, de Jacques Tourneur.

Gene Tierney como Laura:

Aviso

2006-04-25T21:43:00.000-03:00

Para os leitores que têm curiosidade em saber o que anda tocando no meu DVD Player, ou o que ando vendo no cinema, abri esse blog para registro: Saymon Sees . O nome é pra ser um piada com um desenho antigo cujo bordão é "Simon diz!". Nunca vi esse desenho, mas pessoas com mais de 30 anos sempre fazem essa referência quando me conhecem. Enfim.

Visconti, Parte 2

2006-04-22T22:30:00.000-03:00

Muito depois, volto eu com a segunda parte do mapeamento dos filmes de Luchino Visconti. Rocco e Seus Irmãos foi o ponto de passagem para um Visconti mais literário, mais grandioso (cujos procedimentos narrativos já estavam plantados desde Sedução da Carne), e mais politicamente contundente.

>>> O Leopardo

Em 1962, Luchino Visconti partiu para fazer o mais gigantesco de seus filmes, uma obra sobre as mudanças na estrutura da aristocracia italiana durante a guerra de unificação, no século XIX, a partir do romance de Giuseppe Tomaso di Lampedusa. No papel, é a história do príncipe Don Fabrizio de Salina que tem que aceitar o casamento do sobrinho Tancredi com a filha de um burguês de família inferior. Salina, aristocrata e antiquado, deverá se dobrar ao dinheiro novo dos Sedara, depois da advertência de Tancredi: "As coisas devem mudar para continuarem as mesmas". O achado de Visconti é filmar esse processo de mudança social como um grande ritual fúnebre. O baile, cena gisgantesca de mais de uma hora que marca a ligação aristocracia - burguesia (às expensas da revolução) no dança de Salina e Angelica Sedara, não passa de um grande velório, excessivo, à moda dos grandes artesões do melodrama, como Douglas Sirk. Visconti, que sempre leva seus personagens para a morte, leva desta vez uma classe inteira, um mundo inteiro. Enquanto moçoiolas sorridentes e histéricas dançam e berram em seus vestidos caros, o príncipe chora no seu gabinete.

O baile

O filme ganhou a Palma de Ouro em Cannes '63. Para que pudesse existir, na sua riqueza e pompa, Visconti teve que buscar dinheiro americano, da 20th Century Fox, que após o lançamento, dublou o filme em inglês e cortou 20 minutos. Toda a odisséia do filme para voltar ser o que Visconti queria, está em detalhes em um documentário nos extras do DVD, que esclarece questões como a escalação dos atores internacionais falando diferentes línguas e o relacionamento no set entre Burt Lancaster (o príncipe de Salina) e Visconti, que queria Laurence Olivier no papel. Há também documentários sobre a restauração do filme e sobre o Risorgimento italiano, período retratado no filme. Enfim, uma edição que faz jus à beleza e sofisticação do filme, que conta com uma valsa inédita de Verdi. Como aprofundamento, vale comparar com O Poderoso Chefão Parte II, que está para esse O Leopardo, como a primeira parte está para Rocco e Seus Irmãos.

>>> Morte em Veneza

Entre O Leopardo e Morte em Veneza, Vagas Estrelas de Ursa, O Estrangeiro e Os Deuses Malditos, que não existem em DVD no país. O último desses filmes é a inauguração de uma trilogia sobre a Alemanha realizada por Visconti. Morte em Veneza seria o menos político dos três filmes, voltada para uma decadência intelectual germânica representada por um compositor cheio de idéias filosóficas sobre beleza e estética completamente transtornado pela presença sexual de um adolescente durante uma viagem à Veneza. Adaptado de Thomas Mann e, diz-se, inspirado na vida de Gustav Mahler (a música do filme é dele), Visconti faz aquele que é possivelmente seu filme mais difícil.

Já dizia Nicholas Ray: "O cinema é a melodia do olhar"

Ele leva a idéia perene de um desmoronamento emocional ao limite, o que era clima fúnebre se torna transe. Veneza, assolada por uma epidemia de cólera parece ainda mais opressora com o tempo morto, arrastado e sem ação que Visconti usa meio que pra espelhar a condição passiva de observação impotente do seu protagonista, morto de paixão e admiração, mas covarde o suficiente para não abandonar a razão e abordar seu objeto de desejo - que pode, ou não, estar flertando com ele. O final, ápice de desespero, filmado em silêncio, um rosto com maquiagem escorrendo, pode ser uma das mais belas cenas que Visconti já filmou, em um de seus filmes mais problemáticos, mas ainda assim um dos mais radicais. Para cada flashback intrusivo (e são vários) cheio de discussões filosóficas empoladas, tem essa agonia muda - tão bem representada pelo ator Dirk Bogarde - que acaba redimindo o todo. O DVD é da Warner, e o filme é falado em inglês, usado como língua de comunicação entre alemães e italianos. De qualquer jeito, muito se vê e se ouve muito pouco, com exceção da música perturbadora.

>>> Ludwig

Helmut Berger e Romy Schneider

Ludwig é outro grande personagem viscontiano, rei da Bavária obcecado pela beleza, foi patrono de Richard Wagner e construiu uma série de suntuosos castelos somente para que existissem - pois ficavam desabitados e sem função, depois de ter consumido uma enormidade de dinheiro. Podia ser um filme de Werner Herzog, mas o toque é inevitavelmente do diretor italiano: o poder se desconstruindo paralelamente à tormenta pessoal, e por causa dela: os excessos de um imperador (incluindo homossexualidade) são incompatíveis com sua posição. Ele vai tentar se sustentar enquanto pode, enquanto não é consumido pela loucura. O filme, agora reconstruído e com 4 horas e dez minutos é quase ruim. Visconti continua um grande encenador, mas o que antes era transe, agora se aproxima perigosamente do tédio, principalmente pela presença de Helmut Berger no papel título. Teatral, e ainda por cima mal dublado, Berger faz uma caricatura incapaz de levar o personagem para o processo de destruição que é tão viscontiano. O luxo da coisa ajuda, bem como ter as lindíssimas Romy Schneider e Sonia Petrova, mas o todo é decepcionante pra dimensão gigantesca quie o filme parece ter em sua grandiosidade. DVD duplo.

>>> Violência e Paixão

Lancaster e Berger

Este é o penúltimo filme do diretor, realizado a partir de uma história original de Enrico Medioli, para repetir a parceria entre Visconti e Burt Lancaster. Se Visconti o desqualificava antes de O Leopardo ("Quem é esse gangster?"), passou a respeitá-lo depois de ver o seu desempenho e ficaram amigos e fizeram este filme em inglês, não muito inspirado. Lancaster é um professor aposentado e solitário, colecionador de quadros de um estilo conhecido como Conversation Piece, que é o título inglês, e que se caracterizava registros de cenas familiares e cotidianas, onde as pessoas parecem quase sempre conversando. Esse professor terá sua vida infernizada quando aluga o andar superior de sua casa para uma família problemática e muito mal dublada. Alguma tensão, "À Distância" em uma gravação de Ornella Vanoni na trilha e nada de muito interesse, considerando-se que Visconti não consegue dizer nada de novo sobre conflitos geracionais, solidão e velhice, ou mesmo criar um espetáculo interessante. A impressão que fica é que seu cinema não cabe nesses internos. A melhor coisa é o título nacional, síntese de sua obra.

>>> O Inocente

Visconti não viu O Inocente em seu corte final, e já havia filmado em cadeira de rodas, completamente debilitado. isso não o impediu de criar aquele que é provavelmente seu trabalho mais rigoroso de direção, a versão mais polida e perfeita do gênero que mais amava, o melodrama. Com Visconti, melodrama nada tem a ver com redução de complexidades e emoção fácil. Giancarlo Giannini é Tullio Germill, um aristocrata de vida desregrada que mantém um caso fora do casamento. A esposa Giuliana (Laura Antonelli), solitária, cede aos encantos de um escritor barato. Eles se reconciliam, depois de uma seqüência de cenas num bosque e numa casa vazia tão visualmente apuradas que Visconti parece antecipar o Ran de Kurosawa, com seus storyboards pintados a óleo, e longas tomadas com pouco movimentação de câmera - um deslumbre contemplativo que dá o filme certa paz, que logo se converte em angústia e tensão reprimida. Agora que se descobrem apaixonados, a felicidade é maculada pela gravidez clandestina de Giuliana. Visconti arma uma tragédia a partir do conflito neste caso irreconciliável entre amor e vaidade - Tullio se dedica a interromper essa gravidez, a matar o filho inocente que não é seu - e a (re)corrupção do protagonista é narrada a conta-gotas, como se o diretor fizesse questão de fazer o sentir o amargor onipresente e opressivo da vida de alguém que vive com o ímpeto irreprimível de matar para tornar viável seu amor. Direção de arte e figurinos que combinam entre si (roupas e papel de parede às vezes parecem ter o mesmo padrão de estampa), fotografia pictórica, e mais uma vez aquele tempo misterioso que faz o filme parecer estar na perspectiva de alguém à beira da morte (nests caso, uma verdade). Não é à toa que ele é o cineasta da decadência, seja social, seja pessoal. Todo mundo está em rota descendente. Só que ele nunca conseguiu um grau de elaboração de linguagem tão grande como aqui, ao ponto de que cada cena, cada plano é uma obra-prima de esmero. Pra alguém tão sofisticado, o ápice do detalhismo. Sublime. Envolvente. Inebriante. Vale a pena ver esses quatro stills:

Mais aniversários: Tracy, Davis, Peck

2006-04-05T19:57:00.000-03:00

Eu escrevi no último post que o próximo texto seria a continuação da revisão Visconti, mas tive que voltar atrás devido a um motivo especial: hoje fariam aniversário Gregory Peck, Bette Davis e Spencer Tracy. Não posso ficar escrevendo toda vez que uma data for aniversário de gente importante, mas esses aqui merecem pelo menos a indicação de seus melhores filmes existentes no mercado nacional de DVD.

Spencer Tracy: junto com Tom Hanks, Tracy foi o único ator a vencer o Oscar de melhor ator em dois anos consecutivos. Os filmes (Marujo Intrépido e Com os Braços Abertos) não estão disponíveis, mas o cinéfilo pode encontrar cinco de suas nove parcerias com Katharine Hepburn, sua companheira na tela e na vida. Minha recomendação especial é A Costela de Adão, sofisticadíssima comédia onde Tracy e Hepburn são dois advogados casados que se enfrentam no tribunal num caso de assassinato. Tracy também faz uso maravilhoso de seu tipo bonachão em O Pai da Noiva, o clássico que Vincente Minnelli dirigiu em 1951.

Tracy & Hepburn em A Costela de Adão

Bette Davis: recentemente homenageada com uma caixa da Warner com quatro filmes (Vitória Amarga, A Carta, Vaidosa e Lágrimas Amargas). A Carta é um dos melhores filmes do diretor William Wyler, mas a caixa se ressente da ausência de A Estranha Passageira, lendário melodrama do mesmo ano de Casablanca, e citado em outro clássico, Verão de 42, de Robert Mulligan.

A melhor Bette Davis, entretanto, está em A Malvada, comédia dramática de Joseph L. Mankiewicz vencedora do Oscar de melhor filme de 1950. A mais forte concorrência é o grand guignol O que Terá Acontecido a Baby Jane?, de Robert Aldrich. Nos dois filmes, Bette interpreta uma estrela decadente me estágios diferentes: em A Malvada vê a ascenção de sua ex-camareira na Broadway, em Baby Jane já está completamente alucinada massacrando a irmã paralítica (Joan Crawford) que cometeu o pecado de fazer mais sucesso. Pura intensidade, Bette Davis.

Bette Davis e Joan Crawford se odiavam, na frente e atrás das câmeras; na foto do alto, à esquerda, A Malvada: Bette enfrenta Anne Baxter na frente de George Sanders - ninguém presta.

Gregory Peck: Ele não precisava ser tão bom ator, bastava sua criação do advogado Atticus Finch em O Sol é Para Todos para lhe garantir o céu dos atores. Finch é o viúvo advogado de uma cidadezinha no interior do Alabama que vai ousar defender um negro em um caso de estupro, enfrentando a sociedade local. Peck venceu o Oscar (batendo o também perfeito Peter O'Toole em Lawrence da Arábia), muito merecidademente, pois se trata de um daqueles momentos em que um artista atinge o domínio máximo e absoluto de suas habilidades. O filme, adaptado do espetacular romance homônimo de Harper Lee, está à altura.

Atticus Finch, o maior herói do cinema americano segundo o American Film Institute

Além de O Sol É Para Todos, há mais de 20 filmes com o ator no mercado, filmes onde ele quase sempre vai representar o bastião da dignidade e da justiça, mas sempre de maneira humana. É assim no grande e classudo faroeste Da Terra Nascem os Homens, de William Wyler, em que ele acaba com todos os brutamontes sem dar um tiro, mostrando desdém por toda a violência desnecessária numa briga entre famílias do Velho Oeste. Ainda há o jornalista que faz uma reportagem sobre o anti-semitismo americano se passando por judeu de A Luz é Para Todos, de Elia Kazan.

Peck e a superação da violência em Da Terra Nascem os Homens

Há em sua carreira filmes menos engajados, mas de igual qualidade. Em A Princesa e o Plebeu, também de William Wyler, ele é um jornalista em Roma com um grande furo nas mãos: vai ser o cicerona de uma princesa escandinava fujona, Audrey Hepburn. Há ainda um terceiro papel importante nessa profissão, em Teu Nome é Mulher, de Vincente Minnelli, onde interpreta um editor de esportes casado com uma sofisticada estilista (Lauren Bacall). A Profecia é uma inusitada incorrência no filme de suspense dos anos 70, uns bons 30 anos depois de uma colaboração com Alfred Hitchcock, no ótimo Quando Fala o Coração. Os Canhões de Navarone, de J. Lee Thompson é outro momento de extrema elegância de Peck num thriller de guerra.

O vilão terrível de Duelo ao Sol: interpretação espetacular

São todas excelentes performances, mas os grandes desafios dramáticos (além de O Sol é Para Todos, é claro) de Peck estão em dois títulos da distribuidora Classicline. Em As Neves do Kilimanjaro, de Henry King e baseado em Hemingway, ele interpreta um moribundo que, à beira da montanha africana citado no título, reavalia sua vida de paixões perdidas e alta sociedade. Peck é perfeito transmitindo o tom melancólico e trágico do personagem. O outro filme, traz aquela que deve ser sua segunda melhor interpretação. No faroeste Duelo Ao Sol, de King Vidor, ele é um fora-da-lei que disputa a sensual mestiça Jennifer Jones com o irmão certinho. Peck é galante, mas essa característica é ofuscada pelo ódio intenso que o personagem provoca. Trata-se de um vilão, sem escrúpulos, assassino cruel, mas humano o suficiente para se ver perdido de paixão. Vale ressaltar também que o tom de Duelo Ao Sol, como já disse Martin Scorsese, extremamente adulto pra época em que o filme foi feito (1946), sendo totalmente dirigido e determinado pelo sexo. Um filme selvagem.

Nota: também nasceu num 5 de Abril Melvyn Douglas, o astro de Ninochtka, de Lubitsch, e vencedor do Oscar de melhor ator coaduvante pela obra-prima O Indomado, de Martin Ritt.

3 vezes Doris Day

2006-04-03T21:56:00.000-03:00

Há 82 anos nasceram Marlon Brando e Doris Day. Ele, falecido em 2004, é hoje reconhecido como um dos maiores atores da história. Ela, apesar da recente redescoberta, continua ser uma boa cantora com algum timing cômico, uma estrela que provavelmente vai virar rodapé na história de uma década com estrelas hoje muito mais bem-quistas (Marilyn Monroe, Audrey Hepburn). Injusto. Não vou fazer aqui um post biografia de Doris Day - o leitor pode encontrar uma de excelente qualidade em Saudades do Século XX, de Ruy Castro, em um capítulo que lhe é dedicado - mas mostrar rapidamente seu grande escopo como atriz através de três filmes, disponíveis em DVD, é claro.

- A Comediante:

Volta, Meu Amor é de 1961, época em que Doris já havia abandonado os musicais para fazer um série de comédias românticas sobre sexo. Nestes filmes Day tenta defender sua virgindade do macho sem escrúpulos geralmente interpretado por Rock Hudson (caso de Volta, Meu Amor). Ela ficou conhecida como viegem do hímen de aço, com quase quarenta anos. Para mascarar esse teor sexual hoje ingênuo, entram roteiros afiadíssimos sobre desencontros, uma Nova York cor-de-rosa e Tony Randall como o terceiro elemento, o melhor amigo neurótico. É uma fórmula, mas uma boa fórmula, que tem um ponto ótimo de aplicação.

Doris Day e Rock Hudson na praia: ela está quase cedendo

Para a maioria dos críticos esse ponto é Confidências à Meia-Noite, vencedor do Oscar de Roteiro original de 60 que traz Day odiando Hudson, um playboy com quem sempre entra em linha cruzada de telefone. Hudson vai descobrir que a mulher do telefone é muito mais interessante do que pensa e se passa por outra pessoa para conquistá-la. Conseguirá Day defender sua virtude? Tornar-se-á Hudson um homem melhor? O filme é bom, mas está velho. Volta, Meu Amor tem basicamente a mesma história, só que transposta pro mundo da publicidade. Day e Hudson trabalham em agências rivais, mas não se conhecem. Ela descobre a identidade dela e tenta levá-la para cama se passando por um químico tímido e impotente. Day resolve consagrar sua virgindade a homem merecedor de seu sacrifício. Ela prepara sua camisola especial e o telefone toca, com alguém revelando a farsa.

Confidências à Meia-Noite

Day é sublime nos dois filmes, com sua criação extravagante de mulher moderna com chapéu rosa e sexualidade intocada. Faz o perfil da mal-amada caindo em tentação sem perder uma piada. Se Volta, meu Amor é melhor do que Confidências à Meia-Noite, é porque Delbert Mann é melhor diretor que Michael Gordon. Vencedor do Oscar e da Palma de Ouro pela comédia dramática com toques neo-realistas Marty, Mann não deixa a bola cair. O visual, o tempo, o roteiro, está tudo no lugar. É a aplicação perfeita da fórmula Doris Day - com a qual ele também trabalhou em Carícias de Luxo. Se Confidências... perde ritmo depois da primeira hora, Volta, Meu Amor é redondo. Day é perfeita nos dois.

- A atriz dramática:

Como Ruy Castro muito bem aponta, só em Hollywood Doris Day poderia ter passado por virgem. Antes de ter seu hímen recuperado por milagre, ela interpretou a cantora de jazz dos anos 20 Ruth Etting, que fez seu caminho como dançarina de boates baratas ao sucesso se casando e se submetendo a um gangster de Chicago, interpretado pelo sempre desagradável James Cagney. O filme é Ama-me ou Esquece-me, de 55. Esqueça o cor-de-rosa. Apesar da glamurização da história, Doris Day é perfeita num papel adulto e sexualizado. Mesmo nas cenas mais fortes, onde se insinua sua entrega sexual em troca do sucesso, ela é discreta, elegante, não cai na choradeira de melodrama ruim.

O preço do sucesso: James Cagney e sua fúria sanguinária.

Além disso há uma cena definitiva que ilustra seu poder como atriz, performer e cantora. Ela sobe no palco para cantar um dos maiores clássicos sobre prostituição da história da música, "Ten cents a Dance", de Lorenz Hart e Richard Rodgers. Ela entrega nota a nota intensidade e agonia, traduzindo a tragédia da música (Fighters and sailers and bow-legged tailors/Can pay for their tickets & rent me) em seu rosto e corpo, a expressão de dor, os membros enrijecidos. Para quem ainda tiver dúvida, vale ver sua colaboração com Hitchcock, O Homem Que Sabia Demais. Ela foi a loura menos sexy do diretor, mas não sem razão. Hitchcock coloca na entrelinha a disfuncionalidade do casamento da história construindo o personagem da mulher de maneira assexuada. Hitchcock não esperava que Day segurasse o papel, e se surpreendeu. De lambuja, "Que Sera, Sera", o maior sucesso musical de sua carreira, canção vencedora do Oscar.

- A estrela de musicais.

Seguindo o padrão retroativo deste post, vamos para 1953. Ardida Como Pimenta é um faroeste musical feito pela Warner no rastro do sucesso de Bonita e Valente. Esse filme era a história do romance entre os lendários personagens do Velho Oeste Annie Oakley e Frank Butler. Ardida Como Pimenta seria o mesmo filme, substituindo-se os protagonistas por Calamity Jane e Wild Bill Hickock. Há a mesma briga entre o casal principal (Howard Keel faz o par romântico nos dois filmes, brilhantemente), a educação da moça do modos rudes através do amor encontros e desencontros e final feliz. Só que a cópia saiu melhor que o original. Não que Bonita e Valente e sua atriz (Betty Hutton) não sejam excelentes, mas aqui Doris Day realmente desequilibra.

Doris Day a caráter e boa de briga

Ela simplemente tem mais presença na tela. O trabalho é totalmente estelar, mas no melhor sentido do termo. Ela canta, dança e representa. Cria uma figura de cinema mudo, uma clown, e equilibra a masculinidade no trato da personagem com uma doçura e romantismo completamente feminino. Betty Hutton parece reformada no final de Bonita e Valente, mas Day não. Ela aprendeu mais coisas sem deixar de ser ela mesma - Calamity Jane ganha mais nuances ao invés de uma substituição de personalidades. Ajuda bastante Day ser extremamente eficaz em sua composição de "mulher-macho", com voz, andar e caracterização e expressar sua femilidade (o ciúme) sem começar a choramingar. Day maneja dois aspectos opostos na personalidade de Jane por adição.
Ajuda muito também uma série de números musicais espetaculares que ilustram o arco de Jane. Deadwood Stage e Windy City, números viris e cheios de movimentação, Day passa para A woman's Touch (em que aprende a arrumar a casa) e a balada oscarizada Secret Love, quando finalmente admite seu amor. Seria injusto não citar os outros méritos de Ardida Como Pimenta, como as excelentes canções, o ritmo acrobático das coreografias, e os coadjuvantes (Dick Wesson, em especial - sensacional num número vestido de mulher), mas se Doris Day não tivesse conseguido lidar com um papel tão complicado o filme não seria a obra-prima que é. Genial, Doris, nem foi indicada ao Oscar. Por melhor que seja a vencedora Audrey Hepburn em A Princesa e o Plebeu(que deveria ter levado o prêmio por Bonequinha de Luxo, alguns anos mais tarde), Doris Day não deixaria espaço pra competição.

Próximo post, Visconti Parte 2.

Visconti, parte I

2006-03-25T14:45:00.000-03:00

Sexta-feira, dia 17 de Março, foram completados 30 anos da morte de Luchino Visconti, um dos maiores nomes da história do cinema italiano. Aristocrata de berço, conde por título, Visconti desenvolveu uma obra baseada no conflito entre sua formação política marxista e suas origens. Filmava momentos de conflito social, seja do ponto de vista do povo (em sua primeira fase) ou da aristicracia decadente, do meio de sua carreira em diante). O que o destacava é que longe de uma abordagem cerebral, ela fazia suas reflexões dentro basicamente de um gênero muito pouco associado a esse tipo de material, o melodrama.

Graças a Versátil Home Video, a obra de Visconti está disponível em DVD nas boas locadoras. Em formato digital, o cinéfilo poderá conhecer os filmes do diretor com todo o rigor técnico de imagem e som que lhe eram típicos de maneira quase intacta. Melhor do que isso, só no cinema mesmo.
Neste e no próximo post, farei um breve roteiro de impressões sobre os Viscontis já lançados em DVD.

Obsessão (1943)

Clara Calamai e Massimo Girotti

--- Numa cidadezinha no meio do nada uma mulher e o amante que acabou de conhecer planejam a morte do marido, com resultados imprevisíveis. Obsessão (1943) é a uma adaptação (não-autorizada) do livro O destino bate à sua porta, de James M. Cain, e se não consegue ser uma obra tão bem acabada como sua fonte literária, é ainda assim muito melhor que as duas versões americanas (de 46 e 81) por recusar a super-estilização encontrada nos outros filmes para oferecer um tratamento desglamourizado e sujo, muito mais adequado à secura da narrativa e da história original. Esse olhar distante do estilo "telefone branco" (melodramas inofensivos bancados pelo sistema fascista) ocasionou não somente a ira do regime de Mussolini (que mandou destruir todas as cópias - Visconti conseguiu salvar uma), mas também um título posterior de marco inicial do movimento neo-realista. É uma afirmação pertinente, sem dúvida, mas o jogo de paixões e perturbações sexuais é o elemento mais forte, e está tanto aqui quanto em superproduções como O Inocente ou Sedução da Carne. Ainda em tempo: Clara Calamai e Massimo Girotti, atores profissionais, estão perfeitos nas intrigas policialescas e nos contornos melodramáticos e ao mesmo tempo completamente integrados no cenário do filme, sem trair a naturalidade do todo.

A Terra Treme (1948)

Pescadores sicilianos em A Terra Treme

--- Depois de Obsessão, Visconti só voltaria a dirigir um longa-metragem de ficção em 1948, A Terra Treme - um filme que está justamente nos limites do documentário. Ele pegou sua câmera e foi pra Sicília registrar a vida dos pescadores locais, sem atores profissionais, dublagem, cenografia ou qualquer efeito visual. Esse despojamento parece atípico para quem vê a carreira posterior do cineasta, mas o centro desse filme é, como em Rocco e seus Irmãos, a família que encontra a degradação através dos obstáculos sociais - um discurso que ainda revela a influência do comunismo no conde Visconti. De A Terra Treme para Rocco, diminue-se a política e aumenta-se o melodrama e o sexo.

Belíssima (1951)

Anna Magnani e Tina Apicella como mãe e filha

--- Se A Terra Treme é uma radicalização do neo-realismo, Belíssima é o primeiro prego no caixão. De maneira parecida com o contemporâneo Abismo de um Sonho, de Fellini, Visconti parte para a ilustração do fascínio das estrelas do grande cinema americano através da história da mãe romana que quer fazer da filha pequena uma artista a qualquer custo. O filme tem sua mensagem, de certa maneira até cruel, mas o tom aqui já é mais ou menos aquele do neo-realismo róseo, o povo, antes sofrido, passa a ser alegre e bonachão nas comédias desse estilo. Belíssima é mais do que isso, mas não deixa de ser histérico e muito engraçado. Anna Magnani é maior que a vida no papel principal.

Sedução da Carne (1954)

--- Belíssima é o primeiro prego e Sedução da Carne é a pá de cal. De qualquer nuance realista, Visconti para o extremo excesso melodramático num romance proibido entre uma condessa infiel e um soldado desertor durante a guerra de unificação da Itália no século XIX. É a primeira superprodução e primeiro filme colorido de Visconti, que recrutou quem havia de melhor entre profissionais de cinema para fazer uma homenagem a duas de suas três paixões, Verdi e o melodrama - a terceira era Shakespeare. Foto de G. R. Aldo, figurinos de Piero Tosi e diálogos de Tennessee Williams.

A linda Valli, ou melhor, Alida Valli em Sedução da Carne; no espelho, Farley Granger, também astro hitchcockiano em Pacto Sinistro

Ainda assim, com todo o seu arsenal operístico, o grande trunfo de Sedução da Carne é a presença de Alida Valli, uma atriz genial, mulher para 400 talheres. Substituindo Ingrid Bergman, Valli tem seu primeiro grande papel desde a falha tentativa do produtor David Selznick de transformá-la em estrela hollywoodiana, a substituta de Garbo no posto de estrangeira misteriosa. Ele a escalou para o hoje clássico O Terceiro Homem, a interpretação foi sensacional (melhor do que qualquer coisa da carreira de Garbo), mas ela não vingou. Visconti lhe fez justiça com esse papel e ela retribuiu com uma intensidade pouco vista em qualquer outra atriz. Farley Granger, seu par romântico, é engolido em todas as cenas. É em seu rosto que Visconti desenha sua tragédia de política e sentimentos.

Rocco e Seus Irmãos (1960)

Renato Salvatori e Alain Delon como os irmãos malditos da obra-prima de Visconti

--- Rocco e Suas Irmãos é provavelmente a obra-prima, o auge do artista Visconti - embora eu goste de problematizar essa idéia ressaltando as qualidades infinitas de O Inocente, do qual falaremos mais adiante. Enfim. De qualquer jeito, é esse o filme mais conhecido do diretor, o filme pelo qual ele será lembrado, talvez porque seja a perfeita união de suas duas fases, a do comentarista da situação social do povo e o apaixonado pela grande tragédia e pelo melodrama. Rocco é o terceiro de cinco irmãos que partem da Sicília para Milão em busca de uma vida longe da fome e da pobreza com a matriarca da família Rosaria. Essa família poderia ser a mesma de A Terra Treme, mas logo que o filme começa, paralelamente à luta dos Parondi para se estebelecer na cidade grande, Visconti introduz um dos personagens mais clássicos de todo tipo de arte narrativa - a prostituta de bom coração, Nadia (Annie Girardot, perfeita - foto ao lado).

A coluna vertebral do filme passa a ser o efeito dessa personagem sobre o absolutamente puro Rocco e seu irmão imediatamente mais velho e corruptível, Simone ao longo de vários anos. Ambos se apaixonam por ela, mas a colisão entre os dois é sempre adiada pela tendência de Rocco de sempre ceder ao irmão, cada vez mais violento. Ambos entram no mundo do boxe, mas somente Rocco se torna profissional. É também a Rocco que Nadia vai amar no fim das contas. Os destinos diferentes de Rocco e Simone marcam o desmoronamento da família, filmado por Visconti com a dimensão épica da grande literatura russa do século XIX. O resultado é mesmo um monumento cinematográfico, extremamente influente. Foi o toque operístico de Visconti que fez a revolução de O Poderoso Chefão nos anos 70, um filme de gangster que chocou os críticos por ser muito diferente dos filmes de James Cagney. Era Uma Vez na América, de Sergio Leone, com toda sua narrativa de violência e paixão, é outro filme que tem muito do Rocco (e Leone também era fanático por ópera). Scorsese já afirmou várias vezes que seu Touro Indomável não existiria sem Rocco. E assim sucessivamente. Rocco é de 1960, e sua constante importância e influência têm muito a dizer sobre a história do cinema. Esse ano foi o marco da descontrução narrativa. A Aventura, Hiroshima Mon Amour, Acossado, O Ano Passado em Marienbad, todos sublimes e desse período (entre 50 e 61), não conseguem ofuscar o Rocco e sua estrutura de romance. Trata-se do contraponto da descontrução, e quanto mais se pensa que o cinema deve romper com a literatura, mais sem sentido fica esse pensamento diante de filmes como este Rocco e Seus Irmãos. O cinema pode ser literário ou não, pode ser tudo.

Os DVDs:

Obsessão, A Terra Treme, Sedução da Carne e Belíssima foram lançados em edições simples com os extras básicos das edições Versátil: biografia do diretor, comentários sobre o filme, prêmios e críticas, em texto, além de galeria de fotos. Rocco e Seus Irmãos foi lançado em DVD duplo, com documentário sobre Visconti.

Dinheiro:

Com exceção de Sedução da Carne, estes filmes estão reunidos num boxe Luchino Visconti, Volume I. Essse boxe pode ser encontrado no Submarino por 149,00, que também oferece os melhores preços para Belíssima e Obsessão (28,90). A Terra Treme (36,90) e Rocco e Seus Irmãos (42,90) são mais baratos no DVDWorld.com.br. Sedução da Carne está com o mesmo preço (36,90) nestes dois sites, os melhores do ramo. Quem nunca viu vai encontrar nas locadoras mais badaladas (Video Hobby, GPW, Casa de Cinema), mas eu recomendo a Video e Cia, no Largo 2 de Julho, pra quem quer pagar mais barato (a partir do dia primeiro 4 filmes por R$9,00).

Obs.: O filme Noites Brancas também foi lançado em DVD pela Versátil, mas não será comentado aqui devido à ignorância das locadoras soteropolitanas, que não o compraram. Não adianta, nenhuma comprou. Comprove em www.filmeemcasa.com.br

De apresentação.

2006-03-20T20:00:00.000-03:00

Este blog é um produto da disciplina Oficina de Jornalismo Digital do curso de jornalismo da Faculdade de Comunicação da UFBa. Pretendo aqui escrever sobre o mercado brasileiro de DVD com direcionamento especial aos lançamentos de cinema clássico, seja hollywoodiano, europeu, oriental, ou simplesmente, bom cinema. Os textos terão, em geral, o tom de crônica - comentários livres, de avaliação pessoal e temperados de informações de bastidores dos filmes discutidos - tão característico de Vinicius de Moraes na fase em que escrevia sobre cinema em jornais como A Última Hora. Obviamente, a citação é só parâmetro de gênero; não me cobrem a verve e a graça do poeta, somente a paixão por filmes.
Enfim, este é um espaço aberto para cinéfilos que também estão vivendo essa busca do ouro provocada pela grande quantidade de material de qualidade disponível em formato digital; aqui vocês terão informação + comentário. Os textos também deverão funcionar para os neófitos: sempre disponibilizarei guias de diretores e temas com enfoque simples, além de recomendações de clássicos a partir de obras populares na atualidade. Outra observação: aspectos técnicos dos DVDs serão discutidos com brevidade, mas sempre colocarei links para os geeks que estiverem em busca de informações adicionais.